A apatia do brasileiro (me incluo) diante da rasgação de dinheiro público na compra ilegal de votos, aproveitando a fome do povo — e sobre a qual o governo tem total responsabilidade —, faz de nós verdadeiros kamikazes. Estamos exercitando nosso autoflagelo econômico enquanto semeamos com nosso silêncio um rombo histórico nas contas públicas, que teremos que pagar nos próximos anos em forma de inflação, juros altos, desvalorização da moeda e desemprego. Eis o nosso suicídio anunciado!

Há perversidade em tudo isso. O cadáver sobre o qual dançamos é a fome de milhões de brasileiros. Sem dúvida, estrategicamente, o povo é a principal moeda eleitoral, mas não a única. Há outros setores, com forte viés político, que serão beneficiados pela fabulosa merenda, inclusive eles, os taxistas, que serão pagos para falar bem do governo a seus passageiros.

Implodiram de vez a lei da responsabilidade fiscal.

E a sociedade assiste, embasbacada (ou não?), à dança macabra do endividamento público.

E a sociedade assiste, paralisada, à maior compra de votos na boca da urna de que se tem notícia.

E a sociedade assiste, abobalhada, à oposição votando a PEC Kamikaze, presa à maldosa armadilha de não poder votar contra o povo.

E a sociedade assiste, incrédula, armarem um estado de emergência para justificar a ilegalidade dos benefícios sociais implementados em tempos de eleição.

E a sociedade vai continuar a assistir à lambança da PEC bilionária (implodindo de vez a lei da responsabilidade fiscal), sem se dar conta de que alguém (toda a sociedade) terá que pagar a conta.

Que sociedade é essa que se subjuga?

Sim, somos os Kamikases!

Parte dela concorda, afinal, trata-se de eleger o mito, por quem se dobram feito carneirinhos obedientes às farsas montadas nos gabinetes. Não é uma obra solitária, saída da caneta de um ditador! É uma obra funestamente engendrada às pressas, com a anuência da sociedade. Sim, porque os que não concordam e se calam também são coniventes com a barbárie que estão cometendo contra a nossa Constituição.

Estamos permitindo que brinquem com o nosso futuro. Caminhamos, cabisbaixos, rumo à tragédia. Sim, somos os kamikazes! Afinal, caminhamos para o abatedouro de livre e espontânea vontade! Pelo menos, por enquanto, ainda não há ninguém nos empurrando.

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Estou caminhando por uma larga avenida (não é ficção, a avenida existe), olho para cima e vejo uma bandeira do Brasil presa à vidraça de uma janela residencial. A postura da bandeira é de tamanha fragilidade, que me dá a impressão de desespero. É como se ela se agarrasse ao vidro para não despencar do sétimo andar (tive o capricho de contar os andares).

Sigo meu caminho, mas a imagem da bandeira rota, de cores desbotadas pelo sol, não me sai do pensamento. Pelo contrário: um incômodo incontornável toma conta do meu ser cidadão. Um pensamento mal me fustiga, a ponto de me fazer me sentir culpado.

Passei a achar a bandeira do meu pátrio país feia. Sim, feia! Me perdoem a blasfêmia.

Por que agora essa aversão à minha bandeira?

Vem-me à mente outras bandeiras nacionais espalhadas pelo mundo. Em particular, a bandeira da Argentina. Tão elegante, penso eu. Aquele azul empático, um azul retumbante, autossuficiente. As bandeiras europeias, todas comportadas, seguras de si, o bastião da desejada civilidade estampado nelas. Bandeiras que representam conceitos nobres!

Por que agora essa aversão à minha bandeira? Esse estranhamento?

Tento apagar da mente seu miolo ditatorial. Ordem e progresso! Por que a frase? Um vaticínio, à época? Ou uma aspiração de país grande sonhada por quem forjou a sentença? Penso em pesquisar de quem foi a fatídica ideia. Mas imediatamente me recuso a tal. Medo de descobrir alguma verdade secreta.

Verde com amarelo. Amarelo com azul. O azul socando o verde! Minha alma presa ao labirinto geométrico. A angústia gerada por significados inventados, que tento desvendar na letra do hino nacional. Hino tão ufanista quanto qualquer outro hino de país que queira ter sua própria identidade guerreira.

O que fizeram com a minha bandeira?

Mas o sentimento continua a me torturar. Por que minha bandeira tem que me parecer feia?

A bandeira esfarrapada, esculhambando-se numa janela solitária. Essa é a imagem.

Ainda cogito: quais foram as mãos imprudentes que a deixaram ali? Movidas por qual impulso cidadão? Por que não em todas as janelas; somente naquela? Bandeira silenciosa, ameaçadora. Furiosa, às vezes. Moribunda, enfeando a paisagem. Uma bandeira que não sinto ser minha, porque não está me traduzindo.

Sigo meu caminho, e uma pergunta insiste em me acompanhar: o que fizeram com a minha bandeira?

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O filme SHINE (95’), direção de Scott Hicks, Austrália (1996), chama a atenção para uma verdade cotidiana. A de que o homem não pode ir contra a sua natureza, sob pena de se destruir. E a resiliência será sua arma para superar obstáculos e impor a sua individualidade. Fica-nos a evidência de que, quaisquer que sejam esses obstáculos, eles não são necessariamente intransponíveis. E que, mesmo submetidos a limites, podemos ir além. Podemos transpor. Esse é o protagonista de Shine. Sabe que terá que combater as teimosias emocionais de um pai que o sufoca, que o anula. No entanto, a despeito do pai, ele não se entrega. Pelo contrário: segue em frente, mesmo sabendo que a loucura será sua companheira inseparável.

Shine é mais um filme baseado em história real. Vem recheado de indicações a prêmios, cabendo a Joffrey Rush, com sua magnífica atuação no papel adulto do pianista David Helfgott, levar para casa, na categoria Melhor Ator, as três cobiçadas estatuetas — OSCAR, Globo de Ouro e BAFTA.

“Sim, vamos vencer.”

Estamos falando da biografia do talentoso pianista australiano David Helfgott, emocionalmente escravizado por um pai dominador, Peter Helfgott (Armin Mueller-Stahi), que tinha como única obsessão ver o filho ganhar todos os concursos de piano de que participava. Entretanto, a nociva expectativa paterna impediria que David Helfgott alcançasse naturalmente a perfeição artística, tão exigida aos pianistas. David precisou da ajuda da romancista australiana Katharine Prichard (Googie Withers) para se livrar da destruidora tirania paterna. Katharine levou-o a estudar no consagrado Royal College of Music, em Londres. Com esse importante passo, parecia que a vida de David retomaria seu curso normal. No entanto, não foi o que aconteceu.

À medida que David se submetia aos treinamentos ministrados pelo entusiasmado professor Dr. Cecil Parkes (John Gielgud), os primeiros sintomas de distúrbio mental começaram a se manifestar nele. O extenuante desafio de executar a dificílima peça de Sergei Rachmaninoff, Concerto Nº 3, que levaria David a vencer o tão sonhado concurso, fez piorar seu já frágil estado psíquico, obrigando-o a se internar em um hospital psiquiátrico.

A obsessão por vencer competições de piano — o que interessa é o primeiro lugar, o resto é derrota — moldou o suscetível perfil mental de David. Diante da figura paterna, cujo sonho era ver o filho tocar nos palcos o Concerto Nº 3, de Rachmaninoff, sentia-se um fracassado. É muito sintomático o desenho emocional que se estabeleceu entre os dois. Após mais uma derrota, o pai pergunta para David: “O que vamos fazer agora?”. E o filho responde, perguntando: “Vamos vencer?”. E o pai chancela o contrato emocional com a afirmativa: “Sim, vamos vencer.”.

O que impulsiona a tensão narrativa do filme Shine são as atitudes emocionais doentias do pai, Peter Helfgott.

David deixa Londres e retorna para Adelaide, na Austrália. Após mais algumas internações em hospitais psiquiátricos, e vendo-se amparado por seu casamento com Gillian (Lynn Redgrave) — por quem se apaixona perdidamente —, ele retoma os concertos, sem, contudo, deixar de levar consigo, na vida cotidiana, as sequelas da loucura. Sua genialidade é seu ponto de contato com a normalidade. Angaria junto a seu público ao mesmo tempo admiração e compaixão.

O que impulsiona a tensão narrativa do filme Shine são as atitudes emocionais doentias de Peter Helfgott. Ele mantém o filho sob suas asas com a prédica de que David, caso abandone tudo para ir em busca de seus sonhos, estaria provocando a destruição da família. Nada pode ser alterado no seio familiar. Nada pode fugir ao controle de Peter. Sua possessividade traz aspectos abusivos. Despersonaliza o filho em nome de um ideal vago, conceitos que trouxera do passado, mas cujos ecos, no presente, soam terríveis. Ao impedir o filho de ir, aos 14 anos, para os Estados Unidos estudar piano, acaba acelerando a destruição familiar, uma vez que, na sequência, David abandona definitivamente a família, levando o pai a deserdá-lo. A ideia de que nada pode se mover para que nada mude parece absurda, mas foi a partir dela que Peter construiu a loucura do filho.

A música tornar-se-ia o elo de lucidez que manteria o pianista em contado com a realidade.

A obsessão pela família como entidade indestrutível está ligada, no pai judeu, à perda de sua família nos campos de concentração. Por isso, a família não pode se separar. E a individualidade tem que estar subordinada ao ideal dessa família inseparável. Aqui reside toda a contradição. Ao artista, é exigido que ele vá para o mundo, que ele se desprenda de suas origens e crie vida própria. Ao sufocar David em nome da ideia absoluta de família, Peter inseminou no filho a loucura que o aprisionou, para sempre, na semiescuridão. A música tornar-se-ia o elo de lucidez que manteria o pianista em contado com a realidade.

Shine foi acusado de adulterar fragorosamente a realidade. Em particular, no que tange a dois quesitos. Primeiro, ao papel abusivo de Peter, exagerado pelo roteiro, que culpabiliza o pai pela doença do filho. Para uma das filhas, Peter sempre se mostrou um bom marido e um bom pai. A segunda questão diz respeito às habilidades técnicas do pianista David. Segundo críticos, houve também exageros. Dadas as precárias condições psíquicas do David Helfgott real, não era possível performances tão brilhantes quantas as exibidas nas telas. Portanto, fica para o espectador o dilema de saber onde termina a verdade e onde começam as especulações ficcionais.

Shine cumpre seu papel de nos alertar que somos indivíduos dotados de natureza própria, peculiar e única.

Ainda referente à questão do parágrafo anterior, fica a sugestão ao espectador de assistir ao documentário OLÁ, SOU O DAVID! (53’), realizado pela Cosima Lange (2015), que esmiúça a poderosa vida do pianista David Helfgott.

Ademais, Shine mantém relações estreitas, em sua temática, com o poderoso filme Uma Mente Brilhante. É como se eles se ajudassem e se complementassem, tamanhas as semelhanças ­­quanto às perspectivas humanas que ambos nos oferecem.

Em suma, Shine cumpre seu papel de nos alertar que somos indivíduos dotados de natureza própria, peculiar e única. E que temos que estar vigilantes para que essa peculiaridade não seja destruída por vontades e idiossincrasias alheias. Nosso eu, composto de personalidade e talentos, é nosso bem maior, posto que as energias construtivas estão dentro de nós, para nos impulsionar rumo às nossas realizações. E, para nos protegermos, sempre é aconselhável construirmos nossos próprios refúgios. No caso de David Helfgott, infelizmente, seu refúgio foi a sua loucura. Mas, estejam certos: há refúgios bem menos traumáticos. Um deles é mantermos intacta a nossa autoestima. Ao assim fazer, estaremos nos protegendo, uma vez que ninguém terá o direito de invadir nossos sonhos.

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A última pesquisa de intenção de votos feita pelo Datafolha revela um fato incontestável. A fome não é fake news. Ela existe. Está nos lares e nas ruas Brasil afora. Na geladeira vazia e nas portas dos supermercados. Não há retórica, não há malabarismo linguístico, não há mentira habilmente arquitetada que camufle essa realidade. Tampouco a pesquisa do Datafolha conseguiu disfarçá-la. Quem decidirá nas urnas será a frágil saúde econômica dos brasileiros, transformada, para estes, em desemprego e fome.

Buscar razões do fracasso na gestão das políticas econômicas seria um exercício de análise que não caberia nesse breve artigo.

É sabido que a crise econômica foi potencializada pela pandemia e, na sequência, pela Guerra da Ucrânia. No entanto, nos agarrarmos a esses dois vetores externos para justificar o descalabro econômico seria minimizar a incompetência do governo em colocar em prática suas confusas ideias macroeconômicas. A Esplanada, com seus ministérios municiados de receitas administrativas improvisadas, transformou-se em terra de ninguém.

Fazer motosseatas sem capacete parece ser sua régua moral, bem ao feitio de um comandante despreparado e desagregador.

Necessitamos, antes de tudo, de um governo munido de honestidade cívica, disposto a encarar a crise como um fenômeno que atinge todos os brasileiros. Espera-se do Presidente a acertada atitude de conclamar a sociedade, representada por seus setores organizados, a buscar caminhos para frear a inflação, o desemprego e a pobreza — três elementos virais de qualquer crise econômica. Entretanto, enclausurado na redoma da prepotência ideológica, e com os dois olhos avidamente voltados para a reeleição, o Presidente prefere enfiar a cabeça na lama da mentira a exercer seu papel de agente catalizador de soluções da crise. Fazer motosseatas sem capacete parece ser sua régua moral, bem ao feitio de um comandante despreparado e desagregador.

Como nos revela a pesquisa de intenção de votos, divulgada dia 26 de maio de 2022, o Presidente vem construindo para si seu cadafalso eleitoral. Resta-nos esperar as eleições para que o algoz das urnas baixe o cutelo sobre seu pescoço. Tudo indica, se nenhum milagre ocorrer — não existem milagres em gestão econômica —, que ninguém virá salvá-lo da degola. O milagre, se existisse, passaria pela competência em gerar fatos econômicos positivos e não na competência em produzir mentiras. Fake news podem enganar os devotos, mas não os que têm que viver com seus estômagos vazios. Que as urnas rejeitem a fome.

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Antes de falarmos do clássico ERA UMA VEZ NO OESTE (175’), direção de Sergio Leone, EUA/Itália (1968), cabe discorrer um pouco sobre este intruso gênero cinematográfico chamado faroeste, termo originado da expressão inglesa far west — lá onde as longínquas terras inabitadas esperam para serem ocupadas por aventureiros. A conquista do Oeste, na segunda metade do século XIX, é fruto da expansão demográfica e econômica norte-americanas, coincidindo com o fim da Guerra da Secessão (1861-1865). Com a política de esvaziar o Sul no pós-guerra, ainda um caldeirão socioeconômico em perigosa ebulição, suas populações foram estimuladas pelo governo de Washington a tomarem o rumo do Oeste, com promessas de terra fácil e riqueza com muito trabalho.

O gênero faroeste ajudaria a afirmar o mito da formação da nação norte-americana.

Óbvio que para o Oeste não foram somente os trabalhadores em busca de novas perspectivas. Os órfãos da guerra, os que tomaram gosto pelo manuseio das armas, e ainda os ressentidos com a vitória dos nortistas, levaram para o Oeste seus rancores e seus sonhos de riqueza fácil. Sabendo-se que em terras distantes a Lei ainda era frágil, cercada de interesses escusos, a bandidagem acabou encontrando caminho livre para impor suas próprias leis.

É desta paisagem de aventuras, achaques a proprietários de terras, roubos de gado, morte aos índios, os bares com suas prostitutas, a posse fácil de armas, a procura por ouro e riquezas outras, sem contar a expansão das linhas férreas que ligariam o Leste ao Oeste, enfim, é deste imbróglio histórico que surgiria o faroeste, gênero cinematográfico que ajudaria a afirmar o mito da formação da nação norte-americana. E que seria uma das glórias financeiras de Hollywood por várias décadas.

Produções bem sucedidas do faroeste italiano desembocariam no espaguete ao alho e óleo Era uma Vez no Oeste.

Nos anos 1960, já sofrendo de esgotamento, o faroeste, ao aportar na Itália, terra do espaguete, irá encontrar uma dupla do barulho que dará nova roupagem ao gênero. É deste encontro venturoso entre Sergio Leone e Ennio Morricone que o faroeste spaghetti se espalha febrilmente pelo mundo. E não há como falar de Era uma vez no Oeste sem retroceder minimamente no tempo e conhecer a “trilogia dos dólares” criada por Sergio Leone. Estamos falando de uma feliz sequência de filmes de faroeste reinventado nos belos Por um Punhado de Dólares (1964), Por uns Dólares a Mais (1965), e no festejado O Bom, o Mau e o Feio (1966), que iriam desembocar, em 1968, no espaguete ao alho e óleo Era uma Vez no Oeste.

Uma foto de Billy The Kid, de 1878, está avaliada em cinco milhões de dólares!

É bom que se diga que quando se fala de faroeste fala-se de ficção, não de realidade. Isto quer dizer que a abundante violência mostrada em inúmeros filmes de bangue-bangue pertence ao mundo criativo dos roteiristas e diretores. No entanto, é certo que houve violências no velho Oeste. Tanto que alguns de seus grandes pistoleiros ganhariam fama e se tornariam lenda, fornecendo muito caldo dramático para a construção de ótimas narrativas.

Nesta transição da realidade para a ficção podemos pensar, como exemplo, em Billy The Kid. De fato, no mundo real, Billy the Kid, morto aos 21 anos, alimentaria o imaginário norte-americano com suas bravatas e fugas espetaculares. Segundo um jornal de Santa Fé, Novo México, Billy The Kid teria matado 21 homens. Na verdade, afirmam os estudiosos, fora bem menos que isso. Todavia, o que interessa é a lenda. Sua fama percorreu o tempo, e hoje, século XXI, uma de suas duas fotos conhecidas, tirada em 1878, mostrando Billy The Kid jogando críquete, tem seu valor estimado em cinco milhões de dólares!

Ambição e vingança motivam o enredo de Era uma Vez no Oeste.

Podemos falar também do ressentido sulista Jesse James, famoso pela rapidez no gatilho. E de Wyatt Earp, que espantosamente sobreviveria a vários tiroteios, o mais famoso deles o do Curral O. K., que viria a inspirar muitas produções. Wyatt Earp morreria de velhice aos 90 anos, de causas naturais, em 1929. Como se vê, o faroeste é um gênero que sobrevive de lendas, e como lendas não acabam, o faroeste tem motivos para permanecer ainda por muito tempo nas telas dos cinemas. E na memória dos fãs.

Voltando a nossa atenção para o filme Era uma Vez no Oeste, a primeira questão a abordar é sua estrutura narrativa. Ela se divide em duas motivações dramáticas distintas, que caminham juntas, mas sem se tocarem, a não ser no grande final. São elas a ambição e a vingança.

Só que Frank não contava com uma surpresa.

Frank — o insuperável Henry Fonda — é o capataz do dono da famosa ferrovia que atravessa o Oeste rumo ao Pacífico. É pago pelo Mr. Morton (Gabriele Ferzetti) para proteger os negócios da companhia dos ataques de pistoleiros. Só que a ambição de Frank o leva para além de suas funções, criando pontos de tensão dos quais o roteiro vai, generosamente, se alimentar.

Do outro lado aparece Harmônica — sempre ele, Charles Bronson —, que desembarca na estação com o único objetivo de se vingar. Só que saberemos disto, e das razões, mais adiante. Enquanto não executa seu plano, Harmônica se envolve na trama com a função de proteger Jill McBain — a exuberante Cláudia Cardinale — do facínora Frank. Frank acabara de matar a família McBain de olho em suas terras, por onde passará a ferrovia rumo ao Oeste. Nas terras de McBain, no meio do deserto, há água em abundância, necessária para as caldeiras que movem as locomotivas. Só que Frank não contava com uma surpresa. O viúvo irlandês Brett McBain (Frank Wolff) havia se casado com Jill, em segredo, um mês antes, em New Orleans, o que faz dela também uma Mcbain, portanto, herdeira.

O roteiro de Era uma Vez no Oeste é aparentemente frouxo.

E por sorte (ou azar) de Frank, Jill chega ao local logo depois das execuções. Frank agora precisa tirá-la também do caminho. É na proteção de Harmônica a Jill que se dará finalmente o decisivo encontro entre os dois pistoleiros, Frank e Harmônica. Mas aí já será o final do filme.

O roteiro de Era uma Vez no Oeste é aparentemente frouxo, sem conexão imediata de causa e efeito. Mas nem por isso a trama deixa de ser bem urdida, de consistência inquestionável. O esgarçamento do enredo, que poderia parecer um perigoso defeito, transforma-se numa surpreendente qualidade. É que no meio dessa aparente desconexão entre as cenas vai entrar o terceiro protagonista, cuja função no enredo poderíamos até questionar. No entanto, se o tirarmos, o filme, é certo, perderá parte substancial da sua carne.

Mas há algo em Cheyenne que vai além dos clichês dos heróis do velho Oeste.

E eis o mérito da terceira personagem protagonista: permite a Era uma Vez no Oeste desgarrar-se de rótulos e alçar-se como um dos grandes filmes do cinema mundial. O imbróglio a três, portanto, possibilitaria aos roteiristas Sergio Donati e Sergio Leone envolverem a trama em uma tessitura complexa e ambiciosa, alcançando a feliz proposta de fazer do filme um compêndio das realidades do velho Oeste. A partir do momento em que o pistoleiro Cheyenne — esse é o nome do terceiro protagonista — se junta a Harmônica na defesa de Jill, temos fechada a composição dramática do roteiro, portanto, sua concepção bem-sucedida.

Mas há algo em Cheyenne que vai além dos clichês dos heróis do velho Oeste. Ele é arredio, desconfiado, quase um romântico. Às vezes, um menino abandonado pelo destino. Pode-se considerar Cheyenne a mais humana das personagens criadas por Sergio Leone até então. Aliás, uma das características inovadoras do diretor foi trazer para o faroeste tipos bem humanos, ao alcance da nossa sensibilidade. E Cheyenne seria, sem dúvida, o ponto alto dessa busca.

E cabe um necessário parêntesis para a atuação da exuberante Cláudia Cardinale.

Para confirmar o que dizemos, Cheyenne se resume nesta fala, quando se despede de Jill McBain. Diz ele: “Jill, você me faz lembrar minha mãe. Ela era a maior vadia de Alameda e a melhor mulher que já viveu. Seja lá quem fosse meu pai, por uma hora ou por um mês, ele deve ter sido um homem feliz”. Se Sergio Leone perseguiu o objetivo de humanizar Tuco (Eli Wallach) em O bom, o Mau e o Feio com relativo sucesso, Cheyenne proporcionou, na atuação monumental de Jason Robards, o surgimento de sua mais perfeita possibilidade: a de elevar Era uma Vez no Oeste à sua condição trágica, em que, num suspiro épico, a violência não foi capaz de desumanizar a história.

E cabe um necessário parêntesis para a atuação da exuberante Cláudia Cardinale. Ela trouxe para a trama a consistência da mulher como fonte de vida e de esperança em meio a uma terra de homens em constantes conflitos. Prostituta de New Orleans, chega a Sweet Water (Água Doce) trazendo na personagem Jill respingos de uma Blanche DuBois. Mas diferente da famosa personagem de Tennessee Williams, Jill desfila no meio dos homens com a segurança e a decisão que se espera da mulher que se sabe pronta para os embates da vida. E para fechar de forma pungente seu vigoroso perfil, cobre-lhe de honras e emoções a trilha sonora que Ennio Morricone soberbamente lhe oferece.

E em Era uma Vez no Oeste, Sergio Leone levaria esta prática ao extremo.

Algumas peculiaridades estéticas de Sérgio Leone chamam a atenção. O ritmo é a primeira. Nada de acelerar a cena, nada da verborragia hollywoodiana. Em Era uma Vez no Oeste foram dez minutos para apresentar os créditos iniciais, portanto, dez minutos esperando o trem chegar à estação. E sem diálogos. Enquanto o trem não chega, as imagens vão contando a história de uma mosca e das gotas d’água pingando em um chapéu.

O feio e o grotesco são outras características do diretor, próximas, neste sentido, das estéticas de um Pier Paolo Pasolini e de um Bernardo Bertolucci. Seres normais, que não tomam banho, usam roupas rotas, botas empoeiradas, cabelos desgrenhados, barbados e desdentados, uma miríade de tons e feições escalavradas pelo tempo e pelo sofrimento.

Outra obsessão artística de Sergio Leone eram os duelos, invariavelmente o clímax dos bons faroestes.

E mais. Sergio Leone dá aulas de tipos de revólveres, adereço assumidamente central em sua dramaturgia cinematográfica. Sem falar dos longos silêncios das cavalgadas e dos duelos. Os closes exaustivos fundindo-se com as paisagens em plano aberto, e, mais do que tudo, a trilha sonora, desenhada para sugerir cada atmosfera, para acolher cada protagonista, numa soberba arquitetura musical a serviço da construção das cenas. As trilhas sonoras de Ennio Morricone antecediam as câmeras. Inspiravam o diretor. Guiavam os atores. E em Era uma Vez no Oeste, Sergio Leone levaria esta prática ao extremo.

Outra obsessão artística de Sergio Leone eram os duelos, invariavelmente o clímax dos bons faroestes. Só que o diretor pensava cuidadosamente cada cena de duelo, na busca da originalidade. É só começarmos pelo filme Por um Punhado de Dólares, quando vemos o duelo final entre Joe (Clint Eastwood) e Ramón Rojo (Gian Maria Volonté), cuja dinâmica de tempo e espaço se resume em quem primeiro carregará a arma vazia depositada no chão, diante de cada contendor.

Em Era uma Vez no Oeste, o duelo toma um formato épico.

Em Por uns Dólares a Mais, Sérgio Leone avança na ousadia, caracterizada no confronto entre os dois caçadores de recompensa, o Pistoleiro sem Nome (novamente Clint Eastwood) e o Coronel Douglas (Lee Van Cleef). Talvez a melhor cena de duelo em um faroeste, mas sem necessariamente ter sido um duelo. Ao final do filme, o duelo decisivo se dará em um círculo, onde se encontram três pistoleiros, um deles, no entanto, como mero espectador.

A coroação dos duelos na filmografia spaghetti de Sergio Leone viria no seu próximo filme, O Bom, o Mau e o Feio, com o icônico duelo no cemitério de Sad Hill, em seu círculo central. Agora são os três homens participando diretamente do jogo. Mas só na aparência. Ao tirar as balas do revólver de Tuco, Sergio Leone tira-o do duelo e resolve o impasse, permitindo o confronto direto entre o Bom (Clint Eastwood) e o Mau (Lee Van Cleef).

Todo artista passa por  um processo de conhecimento e amadurecimento do seu ofício.

E, finalmente, o grande duelo. Em Era uma Vez no Oeste, ele toma um formato épico, da vingança sagrada, em que cabem quase nove minutos de espera, com direito a flashbacks (a famosa cena do arco), em que a maldade, no seu sentido moral, é destilada na sua razão mais desumana possível. Harmônica vence Frank. O bem vence o mal. Afinal, é dever dos faroestes nos dar o prêmio da redenção, mesmo que o vencedor seja tão fora da lei (anti-herói) quanto o perdedor.

Último parêntesis. Se fizermos uma análise mais cuidadosa da trajetória de roteirização e direção dos quatro filmes que compõem a fase faroeste de Sergio Leone, vamos perceber uma interpenetração criativa entre estes filmes em sua sequência temporal, tanto do ponto de vista estético quanto da técnica. E esta é a pergunta que se pode fazer. Sem os três filmes anteriores, teria Sérgio Leone alcançado a excelência artística e técnica de Era uma Vez no Oeste? Se admitirmos que todo artista, com raríssimas exceções, passa por um processo de conhecimento e amadurecimento do seu ofício, vamos admitir que os quatro filmes têm que ser pensados em conjunto. Caberia um estudo para identificar as interconexões entre eles. É um campo fértil para análises, uma vez que, nos parece, não são poucas as interferências.

E o close soberbo: violino e violonista choram.

E, por fim, cabe falar um pouco da suntuosa parceria dos dois colegas de sala de aula, portanto, de mesma idade, Sergio Leone e Ennio Morricone. Faz-nos lembrar de outra parceria famosa, entre Ingmar Bergman e seu diretor de fotografia Sven Nykvist. Se para Bergman foi a fotografia, para Sergio Leone foi a trilha sonora que deu o diapasão estético de suas obras. Há pouco o que se falar de Ennio Morricone, justamente do tanto que há para se escrever dele.

É sabido que Sergio Leone fazia questão de prolongar certas cenas apenas para dar tempo de a música chegar ao seu fim.  Sem nos esquecermos da sofisticada trilha sonora de O Bom, o Mau e o Feio, vamos ficar apenas em um exemplo, nos referindo a uma das mais emocionantes cenas de violência na filmografia de Sergio Leone, justo em O Bom, o Mau e o Feio, quando o feio Tuco é torturado pelo mau Angel Eyes para que revele o lugar onde está enterrada a caixa com os duzentos mil dólares. Enquanto a longa cena de cinco minutos de cruel tortura vai acontecendo lá dentro, a tristíssima melodia The Story of a Soldier vai sendo tocada pela orquestra aqui fora, no pátio. E o close soberbo: violino e violonista choram.

Era uma Vez no Oeste é um resumo da obra Sergio Leone ligada ao gênero faroeste.

Em suma. Era uma Vez no Oeste é a consagração de uma trajetória feita de inspirações, ousadias, parcerias, aprendizagem e tenacidade comercial, quando Sergio Leone consegue do estúdio de Hollywood dinheiro suficiente para executar um filme de grande alcance artístico e exigente acabamento técnico. É um presente para todos aqueles que adoram filmes de faroeste, e também para aqueles que gostam de grandes filmes, independente do gênero. Sergio Leone, em poucos anos, quis fazer com Era uma Vez no Oeste um resumo de sua obra ligada ao gênero faroeste. Com certeza foi além. Ofereceu-nos um filme que retrata uma época gestada por um processo doloroso de conquistas e glórias, intrigas e superações. Sergio Leone acertou em reproduzir realidades fotografadas nas suas mais vis situações, sem se preocupar com a rígida métrica dramática. Importava-lhe o voo criativo. A exuberância visual. A atmosfera teatral. Neste sentido, sua ousadia conspirou a seu favor. E assim nasceu Era uma vez…

Conheça O Voo da Pipa, uma obra de Roberto Gerin.

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